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The technique applied to piano Etudes

Actualizado: ene 27




El género de los “Estudios” es un apartado imprescindible en la educación de los aspirantes a obtener una titulación o certificado académico en cualquier instrumento. Aquí en España sin ir más lejos, desde un inicio es obligatorio presentar varios Estudios, hasta el final de carrera, en cada curso. Normalmente la programación del curso porse las siguientes formas o períodos musicales: Estudios y, obras barroca, clásica y/o romántica, y moderna.


Si nos centramos en el piano, lo tradicional ha sido hasta ahora empezar por los de Köhler,Cramer, Jensen, Bertini, estudios Gradus ad Parnassum de Clementi y ejercicios, Czerny o Kabalevsky para luego pasar a los de Moscheles y Moszkowsky, veríamos que culminan estos trabajos sobre los aspectos técnicos tratados con cierto valor musical, al menos mucho más que los áridos ejercicios de Hanon, Pischna o Schmidt. Finalmente nos encontraremos con los más prestigiosos y virtuosos: los de Debussy, Scriabin, Liszt, Rachmaninov y Chopin (llegando incluso a Stravinsky en sus Cuatro Etudes op. 7, que también he tocado durante años), donde la técnica además está enfocada en elevarse a arte, a mundos nuevos desconocidos que además gozan de un desarrollo tremendo desde el punto de vista técnico, mecánico, de destreza, psicomotricidad, velocidad física/mental y ardor interpretativo muchas veces convulsivo.


Aunque en muchas grandes y/o geniales obras hallaremos problemas técnicos específicos, es en las de los Estudios donde se incide en los elementos técnicos principales de forma más evidente. Estos elementos han ido ampliándose a medida que la construcción de los instrumentos avanzaba y ofrecía mayores o más complejas posibilidades.


Así pues desde el sistema constitutivo de generación del sonido, que en los antecedentes del piano era por medio de un teclado cuyas teclas “pinzaban” las cuerdas del clavecín, el cual apareció en el siglo XV -y sus variantes como el virginal o la espineta-, pasando a instrumentos de cuerda “golpeada” como el clavicordio que producía el sonido mediante una lámina de latón llamada “tangente” que percute la cuerda. Llegando posteriormente a 1709 cuando Bartolomeo Cristofori inventa el pianoforte, inicialmente llamado “clavicémbalo col piano e forte”, en el que llevaba trabajando desde 1698, y en el que el sonido es producido mediante unos pequeños martillos que golpean las cuerdas junto con otro invento que hacía regresar el martillo a su posición original nada más se producía el ataque, dejando así vibrar libremente la cuerda.


El sistema “una corda”, que ha permanecido sin variación en los pianos acústicos hasta nuestros días, permitía al ejecutante desplazar lateralmente el mecanismo de tal modo que cada martillo golpease sobre una sola cuerda (en lugar de dos o tres simultáneamente). El pedal de resonancia fue desarrollado a partir de 1772 por Americus Bakers en Inglaterra. Hasta la difusión de este modelo, el mecanismo era una palanca accionada por la rodilla, como por ejemplo los del fabricante Andreas Stein (el que tocaba Mozart) que tenían todavía una rodillera para levantar los apagadores. Así nos encontramos con otros nombres ilustres de constructores de pianofortes como Silberman, Broadwood, Clementi, Erard (que inventó un sistema, “doble escape” que lograba que las teclas repitiesen más rápidamente), Pleyel (el favorito de Chopin), que también fue compositor y pianista, alumno de Haydn. Este instrumento dejaba vibrar gran cantidad de armónicos y mantenía una muy buena regularidad en todos los registros, además de poseer una doble tapa que servía de sordina y un elemento complementario típico de los mejores instrumentos predecesores que era el fieltro de seda para realizar coloraturas más especiales. Instrumento de una ligereza y sensibilidad prodigiosa.


Pasamos luego a Steinway, la firma de pianos que más patentes tiene en la historia, y que lo consideramos como el iniciador del piano moderno hasta llegar a hoy día, desde que en 1856 realizase la construcción del bastidor del piano en hierro.


Posteriores perfeccionamientos fueron dirigidos hacia la precisión de la mecánica del teclado, y la mejora del sonido por medio de nuevos materiales y procesos constructivos cono la tabla armónica o el encordado. Otras marcas importantes que surgieron fueron Bössendorfer, Steinweg, Blüthner o Bechstein por ejemplo. A medida que fue transcurriendo el tiempo el piano logró ser enormemente potente en su sonoridad teniendo en cuenta que Liszt ya lo introdujo en los grandes Teatros y desde entonces ha permanecido hasta hoy como instrumento más fascinante capaz de llenar la acústica de una gran sala de conciertos por sí mismo sin necesidad de microfonía.


Con semejantes avances en la persecución del mayor logro artístico, interpretativo, la importancia que ofrecía este instrumento en los ambiente más aristocráticos era cada vez mayor y promovía a su vez la aparición de grandes genios de la música que no han tenido parangón desde entonces. Estos artistas requerían toda la expresividad y posibilidades que un instrumento les pudiera dar. Para ello fue evolucionando la técnica del intérprete desde el empleo para determinados instrumentos hasta por los nuevos enfoques y desarrollo de los elementos pilares de la construcción compositiva.


Es en estas fórmulas de técnica o técnicas implementadas para la opción de que fuera posible realizar interpretaciones de obras en principio de una dificultad máxima, promovida por el ejemplo de Paganini en el violín, donde el ser humano desde hace ya más de dos siglos sigue en la búsqueda de procurar mejores versiones, mejores resultados tanto sonoros como interpretativos. Y es ahí donde los Estudios juegan quizás una de las claves más importantes para el desempeño de este avance.


El paradigma hoy de los Estudios de piano siguen siendo los de Chopin, sin menospreciar en su estilo a los otros genios, pues desde que los Concursos de piano han valorado estas obras como las pruebas o marcas de referencia a batir, o de comparación más importantes.

La técnica pues parte de, como teoría pedagógica para cualquiera que se quiera avezar en estas lindes pianísticas, de las de los medios físicos y la de los medios del intelecto. En la primera contamos con la situación del instrumento, la relajación y articulación, la digitación, los diferentes tipos de ataques, las diferentes texturas, el fraseo, la pedalización. En el segundo del trabajo mental y la memoria.


Para un nivel mayor, más avanzado, nos tendríamos que ir a lo que hoy se denomina en los deportes, escuela de alto rendimiento, donde además del talento del alumno, las lecciones, revisiones o consejos de los maestros o “entrenadores”, las horas de dedicación, existen los planes u objetivos que en medio, largo plazo se pretenden alcanzar.

No en vano es la carrera más larga del mundo. Un alumnos desde que empieza de niño hasta que consigue un diploma acreditativo de haber conseguido el nivel superior de un Conservatorio puede haber empleado más de 15 años. Y después de eso viene la verdadera carrera, como en todas las profesiones.


Pensemos que genuinamente el término “Estudios” es empleado para orientar, enfocar, ofrecer un apoyo didáctico. Esto es, son obras con finalidad pedagógica. Muchos compositores se han negado a plantearse dicha finalidad, creando obras que tienen en sí gran dificultad pero no como partida la enseñanza sino como artista que se enfrenta a su forma particular de hacer.

La bibliografía que disponemos sobre el estilo, la técnica trascendental, el entrenamiento auditivo, la didáctica musical, la historia, análisis sobre compositores, etc. Es realmente muy amplia.


Tradicionalmente los maestros de piano se han basado durante muchos años de su trayectoria como tales en la apreciación y la concienciación corporal, la relajación física y mental, concentración mental, hábitos posturales, respiración, control y visualización mental, aprendizaje por etapas y puesta en escena, en ciclos evolutivos. Aspectos físico-mecánicos y anatómicos. Manera de sentarse, posición del cuerpo en general y de las manos en el teclado. La movilidad y utilización de los diferentes segmentos del brazo y ejes y articulaciones de los dedos y manos. Estudio de los diferentes movimientos, sus posibilidades, combinaciones y raciocinio y dosificación.


Las escuelas se han ido aprovechando de las pasadas hacia las más novedosas, o incluso de propia concepción, pues Chopin fue en gran parte autodidacta en este sentido, de ahí su posibilidad de originalidad en su capacidad enorme de aplicación.


En la técnica pues, no solo debemos de tener en cuenta el aspecto físico sino más todavía el sentido por donde guiar todo porque ya lo dijo Chopin que la música sin mensaje o significado oculto es de lo más odioso. También Liszt se refería por este lado a que la técnica emana del espíritu. Es ahí quizás donde se ha profundizado menos. Ahora con la posibilidad de nuevas ediciones más rigurosas y científicas así como la accesibilidad a los recursos bibliográficos y de material auténtico y nuevas investigaciones es cuando conjuntando ese maremágnum podemos tener el concepto más cercano, pese al gran paso de los años, y la idea más nítida, clarificada, siempre y cuando tengamos como premisa esencial el respeto, la dedicación y la completa humildad en dirigirnos a unas páginas tan célebres pero con tanta carga intelectual que no es otra que la del auténtico genio de la música.


Cada compositor tiene su estilo. Como digo yo, cada uno es un mundo. Establece unas fórmulas de escritura instrumental, armónicas, de construcción y suele abordar unos planteamientos técnicos específicos, algunos de ellos muy diferentes a otros. Es ahí donde reside la riqueza, el tesoro de poder dedicarse a algo que no te va a aburrir nunca porque siempre encuentras algo nuevo que te va a aportar y te va a dar posibilidad incluso de descubrir lo que todo el mundo se pensaba que ya no había nada más por descubrir, en algo tan archi-tocado hasta el extremos más inimaginable, como son los Estudios de Chopin.





The genre of "Etudes" is an essential section in the education of applicants to obtain a degree or academic certificate in any instrument. Here in Spain without going any further, from the beginning it is mandatory to present several Etudes, until the end of the race, in each course. Normally the course programming was divided by the following musical forms or periods: Studies and, baroque, classical and / or romantic, and modern works.


If we focus on the piano, it has been traditional to begin with those of Köhler, Cramer, Jensen, Bertini, Gradus ad Parnassum de Clementi studies and exercises, Czerny or Kabalevsky and then move on to Moscheles and Moszkowsky, we would see that they culminate These works on the technical aspects treated with a certain musical value, at least much more than the arid exercises of Hanon, Pischna or Schmidt. Finally we will meet the most prestigious and virtuous: those of Debussy, Scriabin, Liszt, Rachmaninov and Chopin (even reaching Stravinsky in his Four Etudes op. 7, which I have also played for years), where the technique is also focused on rising to art, to new unknown worlds that also enjoy tremendous development from a technical, mechanical, dexterity, psychomotor, physical / mental speed and often convulsive interpretive burning.


Although in many great and / or great works we will find specific technical problems, it is in those of the Etudes where the main technical elements are most clearly affected. These elements have been expanding as the construction of the instruments progressed and offered greater or more complex possibilities.


So from the constitutive system of sound generation, which in the background of the piano was by means of a keyboard whose keys "clamped" the harpsichord strings, which appeared in the fifteenth century - and its variants such as the virginal or the spine -, moving to stringed "stringed" instruments such as the harpsichord that produced the sound through a brass sheet called "tangent" that strikes the string. Later reaching 1709 when Bartolomeo Cristofori invented the pianoforte, initially called “harpsichord with piano and forte”, in which he had been working since 1698, and in which the sound is produced by small hammers that hit the strings together with another invention that The hammer was returned to its original position as soon as the attack occurred, thus allowing the rope to vibrate freely.


The "one string" system, which has remained unchanged on the acoustic pianos to this day, allowed the performer to move the mechanism laterally so that each hammer struck on a single string (instead of two or three simultaneously). The resonance pedal was developed from 1772 by Americus Bakers in England. Until the diffusion of this model, the mechanism was a lever operated by the knee, such as those of the manufacturer Andreas Stein (the one who played Mozart) who still had a knee brace to lift the dampers. Thus we find other illustrious names of pianofort builders such as Silberman, Broadwood, Clementi, Erard (who invented a system, "double escape" that made the keys repeat faster), Pleyel (Chopin's favorite), which was also composer and pianist, student of Haydn. This instrument let vibrate a lot of harmonics and maintained a very good regularity in all registers, in addition to having a double lid that served as a mute and a complementary element typical of the best predecessor instruments that was the silk felt to make more special colorations. . Instrument of a prodigious lightness and sensitivity.


We then go to Steinway, the piano firm that has more patents in history, and that we consider it as the initiator of the modern piano until today, since in 1856 the iron piano frame was built.


Subsequent improvements were directed towards the precision of the mechanics of the keyboard, and the improvement of the sound by means of new materials and constructive processes with the harmonic table or the stringing. Other important brands that emerged were Bössendorfer, Steinweg, Blüthner or Bechstein for example. As time went by the piano managed to be enormously powerful in its loudness considering that Liszt already introduced it in the great Theaters and since then it has remained until today as a more fascinating instrument capable of filling the acoustics of a large concert hall by itself without the need for microphones.


With such advances in the pursuit of the greatest artistic, interpretative achievement, the importance offered by this instrument in the most aristocratic environments was increasing and in turn promoted the emergence of great music geniuses who have not been comparable since then. These artists required all the expressiveness and possibilities that an instrument could give them. For this, the interpreter technique evolved from the use of certain instruments to the new approaches and development of the pillar elements of the compositional construction.


It is in these formulas of technique or techniques implemented for the option that it was possible to perform interpretations of works in principle of a maximum difficulty, promoted by the example of Paganini on the violin, where the human being for more than two centuries remains in the search for better versions, better sound and interpretive results. And that is where the Studies play perhaps one of the most important keys to the performance of this progress.


The paradigm of piano Etudes today remain those of Chopin, without belittling the other geniuses in their style, since since the Piano Contests have valued these works as the most important tests or benchmarks to beat, or comparison .


The technique then starts from, as a pedagogical theory for anyone who wants to get ahead in these pianistic boundaries, those of the physical media and the media of the intellect. In the first we have the situation of the instrument, relaxation and articulation, fingering, different types of attacks, different textures, phrasing, pedaling. In the second of mental work and memory.


For a higher level, more advanced, we would have to go to what is now called in sports, high performance school, where in addition to the talent of the student, the lessons, reviews or advice of teachers or "coaches", the hours of dedication, there are plans or objectives that in the medium, long term are intended to be achieved.


Not in vain is the longest race in the world. A student from when he begins as a child until he obtains a diploma accrediting having achieved the upper level of a Conservatory may have employed more than 15 years. And after that comes the real career, as in all professions.


Let us think that genuinely the term "Studies" is used to guide, focus, offer educational support. That is, they are works for pedagogical purposes. Many composers have refused to consider this purpose, creating works that have great difficulty in themselves but not as a teaching game but as an artist who faces his particular way of doing.


The bibliography we have about style, transcendental technique, auditory training, music teaching, history, analysis of composers, etc. It is really very wide.


Traditionally piano teachers have been based for many years of their career as such on appreciation and body awareness, physical and mental relaxation, mental concentration, postural habits, breathing, control and mental visualization, stage learning and staging , in evolutionary cycles. Physico-mechanical and anatomical aspects. Way of sitting, position of the body in general and hands on the keyboard. The mobility and use of the different segments of the arm and axes and joints of the fingers and hands. Study of the different movements, their possibilities, combinations and reasoning and dosage.


The schools have taken advantage of the past ones towards the most novel, or even of their own conception, since Chopin was largely self-taught in this sense, hence its possibility of originality in its enormous capacity for application.


In the technique, then, we not only have to take into account the physical aspect but even more the sense where to guide everything because Chopin already said that music without a message or hidden meaning is most odious. Liszt also referred to this technique that the technique emanates from the spirit. That is perhaps where it has deepened less. Now with the possibility of new more rigorous and scientific editions as well as accessibility to bibliographic resources and authentic material and new research is when combining that tidal wave we can have the closest concept, despite the great passing of the years, and the more clear, clarified, as long as we have as an essential premise respect, dedication and complete humility in addressing such famous pages but with so much intellectual load that is none other than that of the true genius of music.


Each composer has his style. As I say, each one is a world. It establishes some formulas of instrumental, harmonic, construction writing and usually addresses specific technical approaches, some of them very different from others. This is where wealth lies, the treasure of being able to dedicate yourself to something that will never bore you because you always find something new that will bring you and will even give you the chance to discover what everyone thought was no longer there was nothing else to discover, in something so archi-touched to the most unimaginable extremes, such as the Chopin Etudes.


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